Definição e significado de animée

	« Animé » redirige ici. Pour les autres significations, voir Animation (homonymie).

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  Exemple de style de dessin utilisé dans les anime.

Anime, parfois japanime (mot-valise composé de Japon et animation) (アニメ, Anime, parfois japanime (mot-valise composé de Japon et animation) ^?) ^{écouter la prononciation}, est un terme communément défini pour désigner un film d'animation en provenance du Japon. Anime est le diminutif du mot animēshon (アニメーション, Animation^?).

Alors que les toutes premières animations japonaises connues datent de 1917,^[1] et qu'un bon nombre de dessins-animés originaux sont produits durant les décennies suivantes, la caractéristique et le style anime se développe durant les années 1960 (notamment grâce aux travaux d'Osamu Tezuka) et se popularise hors des frontières du Japon durant les années 1970 et 1980.

L'anime, comme le manga, possède une large audience au Japon et est facilement reconnaissable dans le monde entier. Les distributeurs peuvent diffuser un anime par le biais de chaînes télévisées, par vidéo, par théâtre ou encore en streaming.

  Étymologie

En français, ce terme désigne en général uniquement ces séries d’animation produites au Japon. Les mots « japanim » ou « japanimation » sont également usités. Les réalisateurs japonais utilisent souvent le terme complet « animēshon » (« animation »). Le terme « anime » provient probablement du terme français « dessin animé », utilisé depuis 1877.

Le terme de « manga eiga », littéralement « film de manga », était le terme original pour désigner les dessins animés d’inspiration de manga (bande dessinée japonaise). « Animation » a alors une portée plus générale puisqu’il inclut également les films en volume ou autre films d’animation qui ne sont pas inspirés du manga.

  Perception au Japon

Ils sont très populaires au Japon : en 2001, le Voyage de Chihiro a battu le record de recettes dans ce pays, devançant le film Titanic.

Parmi les films qui rencontrent en général le succès, on peut citer ceux issus du Studio Ghibli, fondé par Hayao Miyazaki et Isao Takahata, dont Le Voyage de Chihiro, Le Château dans le ciel, Princesse Mononoké… qui peuvent être considérés comme les chefs-d’œuvre du genre.

Très souvent, ils sont en rapport avec un manga : soit l’anime est basé sur un manga à succès, soit un manga est créé d’un anime populaire. Parfois les deux sont créés en même temps. D’autres séries, comme Medabots, ou plus récemment Tokyo majin gakuen kenpucho, s’inspirent de jeux vidéo. Enfin beaucoup d'anime s'inspirent également de visual novel à succès, on peut ainsi citer les visual novel: Clannad ; Fate/stay night ; ef a tales of memories et Phantom of Inferno qui se sont vu adapter en anime suite à leur succès commercial.

  Présentation

  Types d'anime

En général différents types d’anime sont distingués :

Les séries 

Diffusées à la télévision. Si la durée standard d'un épisode est généralement de 24 minutes environ, le nombre d'épisodes total est variable selon les époques^{[réf. nécessaire]}.

Dans les années 1960, plusieurs séries d’animes comptent 52 épisodes, comme Speed Racer, et jusqu'à 193 épisodes pour Astro, le petit robot.

Durant les années 1970, Gatchaman s'étalait sur 104 épisodes et Yatterman sur 26.

À la fin des années 1980 au début des années 1990, plusieurs séries ont dépassé la centaine d'épisodes, comme Les Chevaliers du Zodiaque (114 épisodes), Sailor Moon (200 épisodes) ou Dragon Ball (153 épisodes).

À partir du milieu des années 1990, le format en 26 minutes se répand et devient le plus conventionnel. Par exemple Neon Genesis Evangelion, Card Captor Sakura (70 épisodes, 3 saisons) ou Kenshin le vagabond (104 épisodes, 4 saisons). Les longues séries à succès ne disparaissent pas pour autant, avec Pokémon, Bleach, One Piece, Naruto ou Détective Conan (plusieurs centaines d'épisodes aussi).

Les Original Video Animation (OAV) 

Ce sont des anime produits pour la vente en vidéo. Leur qualité technique est souvent meilleure que celle des séries, car les délais sont moins contraignants et le budget plus élevé (pour un public plus ciblé).

Les films 

Destinés à sortir au cinéma, ils bénéficient des plus hauts budgets.

  Lexique

Au fil du temps, certains termes (associés aussi au monde du cinéma, mais plus particulièrement issus de mots anglais) se sont introduits dans le jargon des amateurs d'animes :

• Filler : hors-série / hors du contexte du manga original ;
• Prequel : épisode produit après mais concernant une histoire préalable (par ex. Cube Zero est sorti après Cube et Cube 2) ;
• Sequel : une suite.

  Historique

  Capture d'écran du film de propagande Momotaro, le divin soldat de la mer (1945), premier long métrage d'animation japonais.

Les prémices du dessin animé se trouvent sans conteste dans les pantomimes lumineuses d'Émile Reynaud. Ceux-ci sont projetées depuis 1877, et diffusés au musée Grévin à partir du 28 octobre 1892, grâce à son théâtre optique, système artisanal très proche du cinématographe. Plus tard (1908), Émile Courtet, dit Émile Cohl, sera considéré comme l'inventeur et le père du dessin animé cinématographique.

L’histoire des anime commence au début du XX^e siècle (1917), fait par quelques pionniers suivant les traces des occidentaux, en particulier de France. Après quelques expérimentations, une longue période suivit où la production fut réduite à quelques courts métrages, quelques commandes de l’armée ou des cinémas. Il fallut attendre 1963 pour qu’Osamu Tezuka sorte Astro, le petit robot, la première grande série animée dotée de personnages récurrents au sein d’une histoire suivie, ou bien encore Le Roi Léo. Tetsujin 28-gō se rendit également célèbre au Japon.

Les années 1970 virent l’explosion de grandes franchises comme Lupin III (1971-1972) et des séries de mecha : Mazinger Z (1972-1974), Yamato (1974-1975) ou bien encore Mobile Suit Gundam (1979-1980). Les années 1980 montrent un fort développement du space opera. On regarde Macross (1982) (lequel sera utilisé par Harmony Gold pour « créer » son Robotech en 1985), Lamu de Mamoru Oshii, (1984). Le Studio Ghibli fait parler de lui avec Le Château dans le ciel (1986), deux ans après Nausicaä de la vallée du vent (Hayao Miyazaki, 1984) et les otaku apparaissent. On voit également Le Tombeau des lucioles (1987), Akira (1988) ou Kiki la petite sorcière (1989). Les OAV apparaissent, le hentai également.

Les années 1990 sont marquées par plusieurs œuvres chocs, très recherchées : Neon Genesis Evangelion d’Hideaki Anno (1995) abordant des sujets philosophiques, Ghost in the Shell d’Oshii (1995), Cowboy bebop (1998) ou Serial experiments Lain (1998). La fin des années 1990 et les années 2000 voient un fort retour des œuvres commerciales, utilisant des schémas bien connus, visant essentiellement un public très jeune. Ayant fait leur preuves : Pokémon, Yu-Gi-Oh! (1997), Digimon (1999), Beyblade (2001), ou encore Mahoromatic (2001).

Mais on assiste également à une reconnaissance des anime à travers le monde : le chef-d'œuvre de l'animation Le voyage de Chihiro reçut le 1^er prix ex-æquo du Festival du film de Berlin 2002 et gagna l’Oscar du meilleur film d'animation en 2003, et Innocence : Ghost in the Shell 2 fut sélectionné pour le Festival de Cannes 2004.

  Fabrication

  Travail d'équipe

Même si certaines personnes peuvent être tentées de réduire le travail à celui du seul réalisateur, comme le reconnaît volontiers Mamoru Oshii^[2], ce travail est celui d'équipes d'animateurs japonais, qui bien souvent ont recours à de la sous traitance de Corée du Sud et d’autres pays d’Asie pour des raisons d'économies.

  Non-crédités

Du début des années 1980 jusqu’aux années 1990, les maisons de productions franco-américaines Saban et DiC ont eu tendance à supprimer les crédits des auteurs des séries importées ou co-produites. Ulysse 31, Jayce et les Conquérants de la Lumière, Les Mystérieuses Cités d'or sont autant de séries associées à des sociétés de productions occidentales. En réalité, elles étaient produites en collaboration avec des studios japonais tels que Studio Junio, Studio Pierrot ou TMS (Tokyo Movie Shinsha), et des réalisateurs et character designer tels que Shingo Araki ou Michi Himeno.

  Japanimation en France

  Introduction

Le terme japanimation regroupe simplement la totalité de l’animation japonaise.

Ce terme fut créé du fait de la spécificité de la production locale par rapport à celle du reste du monde : en effet, là où l’animation occidentale est souvent considérée comme destinée aux enfants (en dehors d’œuvres d’auteurs indépendants ou de quelques comédies satiriques comme Les Simpson ou Daria pour citer les plus connues), l’animation japonaise bénéficie dans ses sujets d’un traitement proche du cinéma en prises de vue réelles, abordant quasiment tous les genres, y compris la pornographie (hentai).

  Arrivée en Europe

C’est dans les années 1970 que se sont développées les premières collaborations entre compagnies européennes et japonaises avec Vic le Viking (1974, Wickie en allemand), Maya l’abeille (1975, Die Biene Maja en autrichien), Les trois mousquetaires (1981, Espagne). Mais c’est seulement à partir de Goldorak qui connut un énorme succès, pulvérisant tous les records d’audience, après sa première diffusion en juillet 1978 sur Antenne 2 que l’animation japonaise a fait une entrée en force sur les chaînes de télévision françaises.

Dans la foulée de « l’effet Goldorak » d’autres séries japonaises cultes furent lancées en 1979 dans l’émission Récré A2, telles Candy et Albator, le corsaire de l’espace.

Il s’ensuivit une deuxième vague de séries animées avec les cultes Tom Sawyer, Rémi sans famille, Cobra, qui ont marqué l’ère Récré A2.

Au début des années 1980, la France n’est pas en reste et des français produisirent aussi des séries avec succès en s’entourant d’équipes japonaises. Ainsi, Jean Chalopin créa des séries comme Ulysse 31 en 1981, puis Les Mystérieuses Cités d’or en 1982, et Inspecteur Gadget en 1982 également. En fait de très nombreuses séries japonaises sont sorties après 1980, mais le genre est alors noyé dans le flot de l’animation enfantine, les télévisions opérant une sélection drastique dans la production japonaise.

  Effets de la déréglementation et l'ère « Club Dorothée »

Avec l’arrivée des chaînes privées suite à la déréglementation de 1986 et à la privatisation de TF1 en 1987, la jeunesse devient un enjeu de sensibilisation et de véritables unités d’émissions jeunesse sont mises sur pied comme le célèbre Club Dorothée d’AB Productions sur TF1. Ces unités « jeunesse » trouvent dans la production japonaise un flot important de séries, qui plus est à bas prix. Par ailleurs, la concurrence nouvelle et exacerbée entraîne une recherche de l’émotion et du dynamisme qui trouvera un cadre idéal dans la japanimation et amènera petit à petit à certaines dérives.

En 1988, alors que La Cinq importe Olive et Tom, TF1 réplique par le 6 avril^[3] Les Chevaliers du Zodiaque, série qui deviendra le symbole de l’époque, précédée le 2 mars par la série Dragon Ball, qui ne connaîtra vraiment le succès que plus tard dans son second volet Dragon Ball Z (1990) qui déclenchera une nouvelle vague d’inconditionnels, grands consommateurs de produits dérivés. Cherry Miel, une série, contemporaine de Goldorak, a dû attendre 15 ans avant sa diffusion française.

Ces séries ont souvent été décriées pour leur violence. En fait, ces séries n’étaient pas destinées au public auquel elles ont été présentées (entraînant d’ailleurs une censure rendant certains épisodes incompréhensibles). En effet au Japon, il y a une très grande segmentation du manga ; les combats de Ken le survivant n’ont rien à voir avec la candeur ou l’humour de Juliette je t'aime, Lamu, D^r Slump, Le Collège fou, fou, fou ou Une vie nouvelle.

Autres séries phares : Nicky Larson, Ranma ½ et Sailor Moon, qui auront un impact similaire à Dragon Ball Z.

  Principaux réalisateurs

  Hayao Miyazaki, un des réalisateurs les plus célèbres.

• Hideaki Anno (Neon Genesis Evangelion, Nadia, le secret de l'eau bleue, Gunbuster)
• Yoshiaki Kawajiri (Ninja scroll, Vampire Hunter D : Bloodlust)
• Satoshi Kon (Perfect Blue, Millennium Actress, Tokyo Godfathers, Paprika et la série Paranoia Agent)
• Leiji Matsumoto (né en 1938) (Galaxy Express 999, Capitaine Albator, Yamato, Queen Emeraldas, Gun Frontier, Interstella 5555 avec Daft Punk)
• Hayao Miyazaki (Le Château de Cagliostro, Nausicaä de la vallée du vent, Le Château dans le ciel, Mon voisin Totoro, Kiki la petite sorcière, Porco Rosso, Princesse Mononoké, le Voyage de Chihiro, Le Château ambulant)
• Mamoru Oshii (Ghost in the Shell, Patlabor, L'Œuf de l'ange, Innocence : Ghost in the Shell 2)
• Katsuhiro Ōtomo (Akira, Steamboy)
• Rintarō (Metropolis)
• Isao Takahata (Goshu le violoncelliste, Le Tombeau des lucioles, Omohide poro poro, Pompoko, Mes voisins les Yamada, Kié la petite peste)
• Shinichirō Watanabe (Cowboy Bebop, Samurai champloo, Animatrix, Macross Plus)
• Taiji Yabushita (1903-1986)
• Zenjirō Yamamoto (1898-1981)
• Tatsuo Yoshida (Speed Racer, Gatchaman)

  Principaux studios de production

• Gonzo Digimation
• Satelight
• JC Staff
• Kyoto Animation
• Mushi Production
• Nippon Animation
• Production I.G
• Tezuka Productions
• Toei Animation
• BONES
• Studio Deen
• GAINAX
• Studio Ghibli
• Studio Madhouse
• Studio Pierrot
• Sunrise
• XEBEC
• Studio 4 °C
• Artland
• Bee Train
• Tatsunoko Production

Voir Catégorie:Studio d'animation japonais pour une liste plus complète.

  Seiyū (comédien/comédienne)

  Compositeurs de musique pour anime

Les musiques d’anime, appelées « anison » (pour « anime song »), sont souvent éditées en CD séparés, single et album, à destination des fans des séries. Certaines musiques sont parvenues en tête du classement Oricon (l’équivalent du Top-50), tel que Hare hare yukai, « ending » de Suzumiya Haruhi no yūutsu. Les artistes font aussi parfois des CD regroupant toutes les anison qu’ils ont pu faire.

La plupart des musiques d’anime sont tirées d'un titre ou d'un album d'un groupe de « Jpop » ou « Jrock » du moment, sollicité au départ par les studios d'animation: les morceaux présentés sont souvent plus courts voire légèrement modifiés par rapport aux morceaux originaux (citons par exemple le titre Tough Boy de TOMCAT, générique de début de l’anime Hokuto no Ken [saison 2]). Le succès, pour ses groupes, dépend bien évidemment de celui de la série, mais est généralement au rendez-vous au moins à court terme, bénéficiant ainsi d'une publicité inespérée. Les anime utilisent donc souvent des gens de talent, et parfois, en découvrent, comme Asian Kung-fu Generation (révélé par Full Metal Alchemist) ou Orange Range.

Voici une liste partielle des compositeurs de ces musiques :

• Joe Hisaishi
• ALI PROJECT
• Yuki Kajiura
• Kentarō Haneda
• Yōko Kanno
• Kenji Kawai
• Shunsuke Kikuchi
• Shirō Sagisu
• Seiji Yokoyama
• Toshihiko Sahashi
• Taku Iwasaki
• Yuji Ohno

  Notes et références

  Annexes

  Articles connexes

• Dessin animé
• Manga
• Anime music video

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